Film britannique de Cary Fukunaga

Interprètes : Mia Wasikowsaka (Jane Eyre), Micahel Fassbender (Edward Rochester), Jaimie Bell (St. John Rivers), Judi Dench (Mme Fairfax)

Durée : 1 h 55

Note :  6/10 

En deux mots :  Cary Fukunaga ne retrouve pas la vitalité désespérée de son premier film, glacé par la fidélité académique à l’œuvre originale.

Le réalisateur : Né en 1977 à Oakland, Cary Fukunaga a vécu au Japon, en France et au Mexique où il réside actuellement. Il est diplômé d'histoire de l'Université de Californie, et de l'IEP de Grenoble. Il réalise un court métrage en 2004 "Victoria para Chino" qui obtient le prix du Festival de Sundance. En 2009, il tourne "Sin Nombre", très remarqué par la critique.

Le sujet : Recueillie par sa tante qui la maltraite, Jane Eyre se rebelle contre l’injustice dont elle est victime. Sa tante l’envoie alors dans le pensionnat de Lowood où règnent le froid  et les mauvais traitements. Elle se lie avec Helen Burns qui décède de la tuberculose. Devenue professeur dans le pensionnat, elle accepte le poste de gouvernante pour la jeune Adèle, une petite française recueillie par Mr Rochester, le maître du manoir.

La critique : Quand j’ai vu que le réalisateur du très intéressant « Sin Nombre » s’attaquait à la dix-huitième adaptation au grand écran du chef-d’œuvre de Charlotte Brontë, je me suis léché les babines, curieux de voir ce qu’allait en faire un metteur en scène dont le style tendu magnifié par une très belle photographie avait su donner vie à l’histoire tragique de deux gosses pris dans les griffes de la Mara salvadorienne. En effet, quel grand écart entre cette histoire moderne traitée avec une précision et une sécheresse proche du documentaire, et ce classique de la littérature romantique, entre deux univers si contextualisés et si différents, l’Amérique centrale d’aujourd’hui et l’Angleterre du milieu du XIX° siècle.

Le résultat est déconcertant, justement parce qu’il est sans surprise. Si on retrouve une très belle photographie, un soin particulier accordé au choix des cadres, et particulièrement une alternance de plans serrés sur les visages ou les mains et de plans de grand ensemble, comme cette plongée digne de « La Mort aux Trousses » sur Jane Eyre perdue dans la lande, c’est à peu près tout ce qui reste du style de « Sin Nombre ». Normal, direz-vous, vu le grand écart évoqué plus haut. Mais Cary Fukunaga n’apporte pas non plus de nouveauté et d’originalité dans le traitement de cette histoire si souvent adaptée. Au contraire, il fait souvent preuve d’un académisme compassé, et son sens du rythme semble gelé par le difficile exercice de réduire 736 pages à 1 h 55.

De ce point de vue, l’objectif est atteint. A l’aide d’un point de départ du récit au deux-tiers de l’histoire et de nombreux flash-backs, le scénario restitue fidèlement les principaux moments du roman. Mais en choisissant de centrer l’intrigue autour de l’affrontement amoureux de Jane et de Rochester, il accorde beaucoup d’importance aux scènes de dialogue, et ne s’autorise que quelques échappées dans des scènes plus réussies comme l’évocation de l’internat dickensien, ou comme le choix d’exagérer la dimension gothique du manoir de Thornfield-Hall.

La volonté de précision de la reconstitution se voit partout : choix des intérieurs et des extérieurs, manoirs et paysages, gamme chromatique des costumes, éclairage kubrickien à la bougie. Mais ces accessoires engoncent les personnages, et le jeu très intériorisé de Mia Wasikowsaka (à la Star Ac, on lui aurait dit qu’elle est mono-expressive !) et de Jaimie Bell renforce cette impression de componction qui finit par rendre le récit pesant et pour tout dire, un peu mou du genou. Le film a les qualités et les défauts de ce choix de la fidélité à l’intrigue et à l’ambiance. Il se laisse regarder parce que l’histoire est forte, la réalisation léchée et les acteurs impliqués. Mais il maintient aussi le spectateur à distance par manque de fantaisie et de touche personnelle.

Cluny

Le sujet : A 30 ans Mike mène une vie bien remplie : il travaille sur les chantiers le jour, possède une petite entreprise de pièces détachées automobiles, et la nuit, il est Magic Mike, streap-tiseur dans la boîte de Dallas ; mais son rêve, c'est de monter une entreprise de fabrication de meubles customisés. Sur un chantier, il rencontre Adam, 19 ans, qu'il emmène dans la boîte et qui devient à son tour strip-teaseur. Brooke, la soeur d'Adam, s'inquiète de voir son petit frère plongé dans ce monde d'argent facile, et demande à Mike de veiller sur lui.

La critique : Steven Soderbergh tourne beaucoup, au rythme de deux films par an, et il s'agit d'ailleurs de la sixième critique que je lui consacre, ce qui ne doit pas être loin d'un record. Alors, pas étonnant qu'il ne soit pas Terrence Mallick. Pas étonnant non plus qu'il y ait du déchet dans cette filmographie diarrhéique, et que, si le très bon s'est fait rare depuis longtemps ("Traffic" ? "Che : Guerilla" ?), le bon et le moins bon alterne régulièrement. Ce "Magic Mike" se situe un peu entre les deux, plutôt bon par le film qu'il aurait pu être, pas vraiment très bon par le film qu'il est, la faute à une certaine mollesse et à l'abandon de pistes intéressantes.

La genèse du projet vient de sa rencontre avec Channing Tatum qui a commencé sa carrière comme strip-teaseur, et à qui Soderbergh, intéressé par le potentiel narratif et cinématographique de ce milieu si particulier, a demandé d'écrire le synopsis. Et effectivement, il y a un vrai potentiel, parfaitement exploité sur la première moitié du film, quand on regarde toute cette entreprise de strip-tease masculin comme une parabole de l'Amérique d'aujourd'hui : peu importe la fin, peu importe les moyens, à partir du moment où on peut se faire du fric. On parle d'argent d'un bout à l'autre du film, et nombreuses sont les scènes qui illustrent l'adage qui dit que l'argent n'a pas d'odeur...

Cette apologie de l'ultra-libéralisme a son jedi : Dallas (joué par un Matthew McConaughey survitaminé), lui-même ancien strip-teaseur et proprio de la boîte qui proclame que son fils n'ira pas à l'école pour rester scotché devant les émissions financières de la télé, et son padawan, le jeune Adam qui vit son "dépucelage" dès sa première soirée à l'Xquisite, et à qui Dallas apprend les ficelles du métier le lendemain dans une scène assez drôle. Le but, c'est de faire du fric, essentiellement sous forme de billets verts glissés dans le string, et pour cela il faut séduire la clientèle, bien entendu exclusivement féminine. Le fond de commerce de ce public d'enterrement de vie de garçon évoque curieusement (ou pas, d'ailleurs) les clichés de la culture gay, et on retrouve des personnages à la Village People sur une chorégraphie de boys band, tout du moins jusqu'au moment où il faut aller au devant de son public. D'ailleurs, quand elle découvre le nouvel attirail d'Adam, sa soeur lui déclare que ses préférences n'ont pas d'importance et que quoiqu'il en soit il restera toujours son frère ! Visiblement, Soderbergh jubile a montrer le mauvais goût de ce concept artistique, dont le climax est sans doute la choré spéciale 4 juillet, qui concentre toutes les vertus américaines : patriotisme, sexe et libre entreprise.

A ce monde en roue libre entre alcool, extasy, sexe facile et appât du gain (la traduction européenne pourrait être footballeur professionnel !), il fallait un contrepoint. Il y en a deux ici : celui du personnage de Brooke, la grande soeur d'Adam, secrétaire médicale qui a la tête bien sur les épaules, ce qu'Adam et ses potes traduisent par "elle est un peu coincée". Plus intéressant, il y a un contrepoint interne, à savoir Mike lui-même, qui ne se contente pas de la vanité de son succès du moment, mais qui cherche à construire quelque chose, à savoir une entreprise de meubles customisés. On le voit donc en costard en train d'expliquer à la banquière qui s'apprête à lui refuser un prêt que l'origine de son gros paquet de billets froissés n'a rien d'illégal. Soderbergh souligne d'ailleurs l'opposition entre les deux mondes par l'usage d'un filtre jaune qui donne une couleur mordorée un peu iréelle à la vie de l'extérieur, alors que les couleurs des scènes à la boîte sont elles nettement plus criardes et clinquantes.

N'étant ni un adepte de la salle de sport, ni fasciné par l'intérêt visuel de corps mâles huilés, j'ai trouvé que les passages à l'Xquise s'étiraient un peu, et que l'ironie des scènes initiales laissait la place à un cahier des charges aux intentions plus douteuses. Plus dommageable encore, le récit perd de vue des pistes entrouvertes, comme le lien avec les dealers ou l'opposition entre la facilité du gain "amoral" et la difficulté à monter une entreprise "honnête", tout cela au profit de la préparation d'une happy end prévisible et convenue. Ce film frivole et mélancolique se laisse regarder malgré quelques longueurs, et rejoindra la liste des films précédents de Soiderbergh, vite vus, vite oubliés.

Cluny

 
Durée : 1 h 40

La critique : Il ne faut pas manquer le début du film, puisque celui-ci s'ouvre sur une suite de panneaux expliquant la situation des Aborigènes en 1967, "régis par un statut comparable à celui de la flore et de la faune" (cette expression n'est pas tirée d'un texte de la politique raciste de la White Australia, mais du manifeste fondateur du Black Power aborigène en 1970, "parce qu'ils disent que nous appartenons à la terre mais que la terre ne nous appartient pas"), la Génération volée, cette politique du gouvernement qui enlevait les enfants mulâtres pour les placer dans des orphelinats ou des familles d'accueil blanches, et qui précise pour finir, argument imparable, qu'il s'agit d'une histoire vraie.

Cet argument, renforcé par un panneau final qui explique que le scénariste est le fils d'une des protagonistes, semble nous intimer l'obligation d'adhérer à une histoire aussi sympathique et si symbolique de tant de causes. Seulement voilà, le cinéma se juge au résultat, or celui-ci ne tient pas les promesses annoncées et ce pour de nombreuses raisons. Tout d'abord parce que la multiplication des sujets et leur dramatisation cousue de cable blanc dispersent le récit : la place des Aborigènes dans la société australienne des années 60, les conséquences de l'enlèvement légal des enfants mulâtres, la lutte pour les droits civiques aux Etats-Unis et dans l'armée américaine au Viet-Nam ou la difficulté d'assumer son identité dans une société divisée par un apartheid qui ne dit pas son nom : résultat, le film traitent en surface tous ces sujets sans en approfondir aucun.

Ensuite parce que le scénario, relayé par la réalisation, utilise toutes les ficelles de l'émotion facile, appuyant les scènes larmoyantes (le concert devant les blessés dans un hôpital de campagne, le flash-back au ralenti sur l'irruption des agents gouvernementaux) en les étirant et en les soulignant à coup de répliques convenues. Et comme, à l'exception de l'Irlandais Chris O'Dowd, le jeu des acteurs sonne souvent faux, la sauce ne prend que très rarement. J'ai bien eu un peu d'espoir en voyant le scénario assumer une rupture tragique, mais trois scènes plus tard, il ressort un lapin du chapeau pour assurer le happy end. Une nouvelle fois l'adage se vérifie : les bons sentiments ne font pas les bons films.

Le meilleur se trouve donc ailleurs, dans la dimension musicale de cette aventure. Au départ, les quatre aborigènes chantent de la country, musique blanche s'il en est ; et c'est un Irlandais qui leur impose la soul, lui qui raconte que le jour où il a entendu "The Arms of mine" d'Ottis Redding sa vie a changé. Selon lui, les deux musiques évoquent la perte, mais alors que la country se situe dans la complainte, la soul exprime la détermination. Les nombreuses scènes de concert fonctionnent bien, grâce aux standards de Marvin Gaye, Wilson Pickett ou Sam and Dave, et à l'énergie des actrices-chanteuses. Ni vraiment drôle comme "Good Morning Viet-Nam", ni réellement mélancolique comme "Tournée", "Les Saphirs" nous raconte une histoire édifiante mais originale ; dommage que son traitement ne soit pas à la hauteur de ses ambitions.

Cluny