Film congolais de Djo Tunda Wa Munga

Interprètes : Patsha Bay (Riva), Manie Malone (Nora), Hoji Fortuna (César)

Durée : 1 h 38

Note : 6/10

En deux mots : Si ce film se déroulait à New York ou à Paris, il n'aurait pas grand intérêt. Mais il se passe à Kinshasa...

Le réalisateur :  Né à Kinshasa en 1972, Dio Tunda Wa Munga suit des études d'arts plastiques avant de suivre les cours de réalisation à l'INAS de Bruxelles. En 1998, son film de fin d'étude, "Angry" n'est pas validé parce que la vision est estimée "pas suffisament africaine". Il réalise des documentaires, avant de fonder sa société de production à Kinshasa.

Le sujet : Après des années passées en Angola, Riva revient à Kinshasa avec toute une cargaison d'essence, alors que la pénurie de carburant sévit dans la capitale congolaise. Avec son copain J.M., il va fêter son retour et tombe sur une fille superbe, Nora qui s'avère être la compagne d'Azor, un petit caïd. Mais César et ses sbires, des Angolais à qui Riva a dérobé l'essence, sont sur sa piste et se montrent prêts à tout pour le retrouver.

La critique : Ces critiques se veulent ouvertes au cinéma du monde entier, et au-delà des cinématographies asiatiques ou sud-américaines, elles se sont intéressées à des films islandais, bosniaques ou mongols. Par contre, et du fait de la rareté de la programmation de films d'Afrique noire, elles n'ont à leur actif qu'un film tchadien, et un film sud-africain. Voilà donc une bonne raison de s'intéresser à ce "Viva Riva", film tourné au Congo par un réalisateur congolais, même si une bonne part de la production vient de France et de Belgique ; il s'agit d'ailleurs du premier film tournée en République Démocratique du Congo depuis 1987 et "La Vie est belle", de Mweze Ngangura.

Comme Gavin Hood, le réalisateur de "Mon nom est Tsosti", Dio Tunda Wa Munga a choisi le genre du polar. Choix pertinent, car de tout temps le film noir a permis de raconter de nombreuses choses sur la société qui lui sert de toile de fond : il suffit de comparer les "Scarface" d'Howard Hawks et de Brian De Palma pour s'en convaincre. Je vais donc analyser ce "Viva Riva" sous deux angles, celui du polar et celui de la toile de fond.

Ce n'est pas un hasard si je cite le "Scarface" de De Palma, car Dio Tunda Wa Munga affirme avoir été très influencé par ce film, et cela se voit. On retrouve dans le scénario un paquet d'éléments constitutifs du polar : la femme fatale, le caïd de quartier qui tabasse sa femme et envoie ses gorilles contre ceux qui le narguent, le chef de bande impitoyable, des flics corrompus, de la violence, de la violence, et encore de la violence. Les méchants ont la vie dure (et des gilets pare-balles), et le héros encaisse coups de pieds, de poings et de feu ; bref, rien de bien original, si ce n'est que les méchants sont Angolais, que ce qu'on traffique, c'est de l'essence, et que le plus gros acheteur potentiel de cette essence est un prêtre qui part demander l'accord de l'évêque pour la transaction...

Car ce qui fait le réel intérêt du film, outre une vraie maîtrise de la mise en scène et une belle photographie, c'est tout ce qu'il nous apprend sur la société congolaise où tout tourne autour de l'argent ; un des personnages angolais dit d'ailleurs : "Dans votre pays, vous croyez que l'argent, c'est tout ; mais au bout, il tue toujours." On découvre le personnage de la commandante, militaire homosexuelle, celui de la femme d'un petit malfrat rangé des voitures qui lâche "c'est toujours à l'heure du repas que les gens se pointent", ou encore celui d'Anto, petit orphelin revendeur de portables. L'ambiance de Kinshasa est parfaitement rendue, avec ses trains bondés, ses coupures de courant, ses files d'attente à la pompe à essence, et la place de la nuit, ce qui donne le dialogue suivant : "Il aime la fête et les femmes." "- Comme tout le monde..."

Le personnage central, celui de Riva, promène sa nonchalance rieuse et finalement suicidaire dans le dédale de la nuit kinoise, symbolique d'une Afrique majestueuse et flambeuse. La scène de sa visite à ses parents, avec la remontée des vieux secrets de famille et de la culpabilité de la perte du frère est un nouvel emprunt au cinéma américain, et ne sert pas à grand chose, le mystère autour du passé de Riva étant beaucoup plus intéressant que ces explications psychologisantes. Au-delà de ce trop plein scénaristique, "Viva Riva" réussit à maintenir l'intérêt, grâce à un vrai sens du rythme ponctué par la musique et à la précision de la description d'un société toujours en mouvement.

Cluny

Film japonais de Kore-Eda Hirokazu

Titre original : Kikseki

Interprètes : Koki Maeda (Koichi ), Ohshiro Meada (Ryunosuke), Nene Ohtsuka (La mère), Joo Odagiri (Le père)

Durée : 2 h 08

Note : 7/10

En deux mots : Après une première heure un peu longuette, on retrouve toute la finesse de Kore-Eda Hirozaku et sa capacité exceptionnelle à diriger des enfants.

Le réalisateur :  Né en 1962 à Tokyo, Kore-Eda Hirozaku est diplômé de l'université de Waseda. Il commence à réaliser de nombreux documentaires pour la télévision. Il tourne son premier long-métrage en 1995, "Maborosi", primé à Venise. Suivent "Après la Vie" (1998), "Distance" (2001) et "Nobody Knows" qui vaut à son jeune acteur le prix d'interprétation à Cannes en 2004. Il réalise ensuite "Still Walking" en 2009.

Le sujet : Sur l'île de Kyushu, deux frères sont séparés par le divorce de leurs parents. L'aîné, Koichi, âgé de 12 ans, vit avec sa mère et ses grands-parents au pied d'un volcan en éruption. Son petit frère, Ryunosuke, est resté avec son père guitariste de rock au nord de l'île. Koichi souhaite que sa famille soit à nouveau réunie. Quand un nouveau TGV relie enfin les deux extrêmités de l'êle, Koichi et Ryunosuke décident d'organiser clandestinement une rencontre à l'endroit où les deux trains se croisent, et où, croient-ils, peuvent être exaucés les voeux les plus secrets. 

La critique : Ce n'est pas la première fois que Kore-Eda Hirokazu parle de l'enfance : elle était au centre de "Nobody knows", et dans "Still Walking", le personnage du petit-fils joue un rôle important. Dans ces deux films, et particulièrement dans "Nobody knows", elle était entourée de menaces et de dangers, entre l'abandon de la mère et le culte oppressant du fils disparu. Ses autres films abordaient aussi des thèmes graves : la mort dans "After Life", le suicide collectif dans "Distance". Ici, rien de semblable ; au contraire, l'évènement déclencheur est le plus banal du monde, à savoir le divorce, et si l'escapade de la troupe d'enfants a la saveur du conte, les ogres rencontrés sont des vieillards bienveillants, que ce soit le grand-père complice ou les retraités qui sauvent la petite troupe du zèle du policier local.

A la question qui lui était posée sur cette tonalité si optimiste, Hirokazu a répondu que ça s'était fait ainsi sans qu'il l'ait prémédité : "En fait ce n’est pas une décision personnelle. Je reconnais que ce film est plein de vie, mais c’est la vie qu’ont apporté tous ces personnages, les acteurs, les enfants qui étaient plein de vie." Il faut dire que le film repose sur le jeu des enfants, et particulièrement celui des deux frères Maeda qui jouent Koichi et Ryunosuke avec gravité pour l'aîné, avec fantaisie pour le plus jeune, et que même si on sent bien le processus d'écriture dans les dialogues, le naturel des jeunes acteurs les rend extrêmement fluides.

Hirokazu raconte que le point de départ du film était une image tirée de "Stand by me" de Rob Reiner, celle d'un groupe d'enfants marchant le long de rails. Mais quand il a fait les repérages pour tourner la scène du croisement des deux Shinkansen, il s'est rendu compte que toute la ligne de ce TGV dans l'île de Kyushu au sud du Japon était surélevée, et il a donc dû modifier le scénario, faisant de cette difficulté à se mettre en surplomb de la voie un des ressorts du scénario. Les références que cite Hirokazu et auxquelles j'avais pensé à la vision du film sont nombreuses, notamment "Gosses de Tokyo", d'Ozu, et "Les 400 coups" de Truffaut.

Le film est composé de deux parties distinctes : la première heure nous décrit dans un montage parallèle et par petites touches la situation des deux frères aux deux extrêmités de l'île : leurs familles, leurs amis, leurs écoles, et comment naît le projet de la rencontre. La seconde raconte le voyage des deux bandes pour se retrouver au centre de l'île, leur trajet commun et leur retour; Autant la deuxième partie se regarde avec plaisir et grand intérêt, autant la première est beaucoup plus difficile à suivre. Hirokazu y alterne des scènes courtes, très dialoguées, en plongeant d'emblée le spectateur dans la vie quotidienne des deux gamins, et en laissant à ce même spectateur le soin de recontruire le puzzle de leur histoire. Or, il y est fait référence à de nombreux éléments de la culture japonaise, et quand on n'est familier ni avec les joueurs de base-ball de la NPB, ni avec les personnages de manga, ni avec les spécialités culinaires de Kyushu, on a vite fait de décrocher, ce que ma voisine au Balzac a manifesté par des ronflements sonores, ce qui ne m'a pas aidé en entrer dans l'histoire.

Heureusement, même cette première heure est traversée par des moments forts, comme la solidarité des élèves contre le manque de tact du professeur, ou amusants comme la convergence des avis sur le karukan, la spécialité au goût incertain que prépare le grand-père ou la complicité de l'infirmière scolaire avec les jeunes comploteurs. Tout en gardant le cap sur la ligne narrative donnée par le projet des enfants, Hirokazu continue à aborder par petites touches subtiles les questions qu'il se pose sur la société japonaise : les relations entre les différentes générations, le rapport à la nature dans un pays d'une telle densité, ou l'importance des conventions sociales. Reste à savoir si le fait de raccourcir la première partie aurait fait perdre ou non de la force au voyage initiatique des enfants. Pas sûr, et on y aurait certainement gagné de la lisibilité.

Cluny

Film français de Frédéric Videau

Interprètes : Agathe Bonitzer (Gaëlle Faroult), Reda Kateb (Vincent Maillard), Hélène Fillières (Anne Morellini)

Durée : 1 h 31

Note : 8/10

En deux mots : Film passionnant sur la difficulté à retrouver sa place après une séquestration de huit ans, porté par une Agathe Bonitzer impressionnante.

Le réalisateur : Né en 1964 à Angoulême, Frédéric Videau intègre la Femis en 1986. Il réalise des films institutionnels avant d'intégrer le service des sports de France 2. Il quitte la télévision en 1999 et réalise en 2001 un documentaire, "Le fils de Jean-Claude Videau". Il réalise son premier long métrage de fiction en 2003, "Variété française".

Le sujet : Séquestrée pendant huit ans depuis l'âge de 10 ans par Vincent, Gaëlle parvient à s'enfuir alors que son ravisseur a laissé la porte ouverte et qu'il ne la poursuit pas. Placée dans une institution, elle refuse de retourner habiter chez sa mère et s'oppose à la psychologue qui tente de l'aider à retrouver sa place. Cette redécouverte brutale du monde extérieur est ponctuée par les souvenirs qui lui reviennent des moments cruciaux de ces huit années.

La critique : Frédéric Videau raconte ainsi la genèse de son film : "Ce qui m'intéressait, c'était de partir du choc que j'ai éprouvé devant l'interview de cette fille (Natascha Kampusch) à la télévision. Au bout de quelques secondes, je n'écoutais plus ce qu'elle disait, je la regardais et les questions se bousculaient dans ma tête : comment pouvait-elle être aussi forte, souriante et pleine de vie après ce qui lui était arrivé ?" Précision importante, car elle dissipe une interrogation qui plane sur un tel sujet : peut-on faire un film d'une situation aussi sordide, et comment montrer la relation entre le bourreau et sa victime sans tomber dans le voyeurisme malsain ? Même si l'histoire autrichienne reste forcémenr présente dans la tête des spectateurs comme elle a dû l'être dans celles des membres de l'équipe du film, il s'agit d'une autre histoire, une fiction comme le rappelle le panneau qui apparait au début du film.

Deuxième précision nécessaire : le sujet du film n'est pas uniquement le rapport entre Vincent et Gaëlle, et encore moins son issue, puisqu'on nous montre la libération de la jeune fille dès la deuxième scène, avec d'emblée toute l'ambiguïté qu'elle recèle : Vincent a-t-il laissé la porte ouverte intentionnellement ? Que signifie cet arrêt de Gaëlle quand elle se trouve au bout de l'allée et qu'elle regarde Vincent, ou plutôt le spectateur qui est à sa place ? Il existe au moins trois films qui racontent l'histoire d'une jeune fille ou d'une jeune femme séquestrée par un homme : "Contre toi", de Lola Doillon, "La Piel que habito", de Pedro Almodovar, et "La Drôlesse", de Jacques Doillon. Dans les deux premiers, la motivation du kidnappeur est la même : la vengeance. La motivation de François dans "La Drôlesse" peut sembler se rapprocher de celle de Vincent, a savoir un besoin d'échapper à sa solitude. Je dis "peut sembler", car, et c'est une des forces du film, on ne sait finalement pas grand chose des motivations du bourreau.

Vincent, interprété tout en finesse par Reda Kateb (" Un Prophète", "Mafiosa"), annonce dès le premier jour les règles qu'il a fixées : il ne touchera pas Gaëlle et il lui fournira tout ce dont elle aura besoin, mais il la punira d'isolement dans sa cave à chaque tentative de se soustraire à son autorité. Il lui procure livres, DVD, ordinateur, lui fait la morale quand elle refuse de manger ou qu'elle déchire un livre, et il lui fait même faire des dictées, en les prolongeant jusqu'à ce qu'elle écrive un paragraphe sans faute. Comme Natascha Kampusch emmenée de force au ski par son ravisseur, elle apprend même à conduire la nuit. Ponctuée des éclats de la violence de Vincent, cette relation butte sur la résolution de Gaëlle de refuser d'en accepter le principe. Et si s'installe à la longue une relation de vieux couple, lui racontant les discussions à la scierie sur l'annualisation du temps de travail, elle parlant de sa dernière lecture ("La Rivière de sang", de Jim Tenuto), Gaëlle réaffirme à chaque fois que la normalité de ce quotidien étrange semble s'être installée qu'elle partira à la première occasion.

Tout cela, nous le découvrons progressivement à la lumière des souvenirs qui reviennent en flashbacks, pas forcément dans l'ordre chronologique, reconstitué grâce à l'évolution des teintures de la chevelure de Gaëlle. Et ces souvenirs émergent en regard de l'après qu'est en train de vivre la jeune fille, marqué par sa difficulté à reprendre une place après huit ans ("Ca fait combien, en francs ?"), et par la difficulté de ses proches à sortir de leur tristese et de leur culpabilité. Le père, remarquablement joué par Jacques Bonaffé, et la mère, tout aussi bien incarnée par Noémie Lvovski, n'arrivent pas à voir dans cette frêle jeune femme de 18 ans la petite fille de 10 ans qu'ils croyaient à tout jamais perdue, et tous parlent de son ravisseur comme d'un monstre alors qu'elle même éprouve de la culpablilité à pouvoir s'en souvenir autrement. Cette difficulté à vivre sa libération évoque un autte film, "Rapt" de Lucas Belvaux sur l'enlèvement du Baron Empain.

Le film repose sur Agathe Bonitzer, à qui Frédéric Videau a pensé dès l'écriture du rôle. Elle impose son personnage avec une intensité bouleversante, renvoyant à tous ceux qui s'apitoient sur elle une forme dérivée de la violence de Vincent, et suggère par un regard ou un silence toute la palette des émotions qui habitent son personnage d'écorchée vive. La très belle photographie hivernale renforce une message implicite, en opposant la froidure des scènes du monde extérieur à la chaleur relative de la maison de Vincent, et ayant soin de jouer la complémentarité des teintes dominantes avec les différentes teintes de la chevelure de Gaëlle. Film à la fois dérangeant et passionnant, "A moi seule" révèle une étonnante maîtrise pour un deuxième film, et offre indéniablement une des bonnes surprises de ce début d'année.

Cluny