Film danois de Lars Von Trier

Interprètes : Kirsten Dunst (Justine), Charlotte Gainsbourg (Claire),Kiefer Sutherland (John), Charlotte Rampling (Gaby)

Durée :  2 h 10

Le sujet : Alors que Justine s’apprête à participer à la fête de son mariage organisée par sa sœur Claire, elle remarque l’étoile rouge d’Antarès. Spectatrice de son propre mariage qui tourne à la débandade, elle fuit son mari et révèle le mal profond qui la ronge : la mélancolie. Au petit matin, elle s’aperçoit qu’Antarès a disparu, occulté par une planète qui se dirige vers la Terre, Mélancholia.

La critique : Faites une petite expérience : tapez Lars Von Trier sur Google, et vous verrez apparaître les propositions de recherches qui s’appuient sur les occurrences les plus fréquentes, avec en tête « lars von trier hitler »… Curieux raccourci qui montre les risques d’une sortie cannoise : la peopolisation et la recherche du buzz occultent le cinéma bien plus sûrement que Melancholia ne le fait pour Antarès. Que Van Trier se laisse emporter par le goût de la provocation à deux balles est pathétique. Mais le vrai sujet du cinéma, le véritable attrait d’un réalisateur, c’est ce qu’il filme et non ce qu’il bafouille en conférence de presse ou avec qui il couche. Revenons donc à ce qu’il a filmé, et à ce « Melancholia » qui présente l’indubitable intérêt d’interpeller son spectateur.

Le film est découpé en trois parties : un prologue, une partie appelée Justine qui raconte le mariage de celle-ci et une autre appelée Claire qui raconte l’attente de l’impact de la planète Melancholia par les deux sœurs et Leo, le fils de Claire. Par sa forme de diaporama esthétique, le prologue me rappelle curieusement le long passage de «The Tree of Life » après la mort du fils, même si l’un exalte la création, alors que l’autre évoque l’apocalypse. Là, nous sommes aux antipodes du Dogme : image extrêmement travaillée dans la composition et la photographie, entre romantisme allemand et surréalisme (De Chirico, Dali, Magritte), hyper-ralentis, et pulsation donnée par la musique, « Tristan et Isolde » de Wagner.

Ce prologue d’une dizaine de minutes se clôt par la collision entre la planète géante et la Terre, ce qui enlève tout suspense à propos de ce qui a semblé être pour certains le sujet de « Melancholia », à savoir la fin du monde. Pour clore un débat familial sur le véritable sujet de ce film, je dirais qu’il est annoncé dans le titre : il s’agit de la mélancolie, entendue comme un état dépressif prolongé marqué par sentiment d’incapacité et une absence de goût de vivre. Le mélancolique ne voit pas d’autres issues que la mort, pour lui-même et parfois pour ceux qu’il aime le plus.

Ces deux caractéristiques (sentiment d’incapacité et attente de la mort) explique la construction du film. La partie Justine illustre comment celle-ci sabote la perspective de bonheur que d’autres ont voulu construire pour elle : son ex-futur mari, attentionné et amoureux, dont on sent que si elle avait pu construire quelque chose, ça aurait été avec lui, et sa sœur, qui a utilisé l’argent de son mari pour tenter de donner un écrin à une si fragile tentative.

Cette partie évoque parfois « Festen », par le retour au Dogme dans la dimension technique, et par le dynamitage jubilatoire  des codes bourgeois, la révélation n’étant pas celle brutale de l’inceste, mais celle diffuse de la mélancolie de la mariée. Des éléments d’explication nous sont suggérés, avec le portrait du père boute-en-train et gentiment lâche (John Hurt), et celui de la mère, Pythie et jeteuse de sort (Charlotte Rampling, terrifiante). Mais surtout, la caméra suit Justine dans son entreprise erratique d’autodestruction, ce qui amène parfois quelques longueurs.

La partie Claire montre comment l’inéluctabilité de la mort redonne à Justine les qualités qui l’ont fait surnommée tante Steelbraker par Leo, par opposition à Claire la rationnelle qui perd tous ses moyens quand elle voit son dernier espoir se volatiliser. Lars Von Trier explique ce basculement : « Dans les situations catastrophiques, les mélancoliques gardaient plus la tête sur les épaules que les gens ordinaires, en partie parce qu’ils peuvent dire : qu’est-ce que je t’avais dit ? ». L’opposition des deux parties se marque aussi par la photographie : l’image de la première est blonde, comme Justine ; celle de la seconde est brune comme Claire, avec une forte touche de bleu venant de Melancholia, la planète bleue qui joue ici le rôle du soleil noir de la mélancolie.

Lars Von Trier s’est lui-même décrit comme un mélancolique, en insistant sur ce que la bile noire des Grecs peut apporter comme source de création. Son identification à Justine se manifeste par la façon dont il la filme, en la préservant tant des ravages intérieurs que de ceux venant de l’extérieur, alors que les autres personnages sont altérés, notamment une Charlotte Gainsbourg mal fagotée et filmée crûment. Par la diversité des manifestations de la mélancolie qu’elle incarne tout au long du film, Kirsten Dunst justifie son prix d’interprétation féminine à Cannes, le troisième pour une actrice du réalisateur danois.

Par le dépassement du Dogme, c’est-à-dire le recours à des procédés prohibés en 1995 quand ça se justifie comme dans le prologue, Lars Von Trier renforce la cohérence des règles qu’il continue à respecter, comme la caméra portée et les raccords aléatoires qui sont ici affaire de morale narrative et non de mode pseudo-réaliste. Pour toutes ces raisons, et sans pour autant parvenir au statut de chef d’œuvre que beaucoup lui ont attribué et que seuls quelques plans justifieraient, comme celui de la scène finale, « Melancholia » est le meilleur film de Von Trier depuis « Dogville », et c’est déjà pas mal.

Cluny

Film américain de J.J. Abrams 

Interprètes : Joel Courtney (Joe Lamb), Elle Fanning (Alice), Kyle Chandler (Jack Lamb), Noah Emmerich (Nelec)

Durée : 1 h 52

Le sujet : Dans l’Ohio en 1979, Joe vit seul avec son père shériff-adjoint depuis la mort accidentelle de sa mère. Il participe au tournage en Super 8 d’un film de zombie dirigé par son copain Charles, et sa motivation redouble quand Alice, la fille d’un homme arrêté par son père, vient rejoindre le tournage. Alors qu’ils tournent de nuit, ils assistent à une catastrophe ferroviaire provoquée par leur professeur de sciences. Avant que l’armée n’investisse les lieux, celui-ci leur ordonne de s’enfuir et de tenter de sauver leur peau.

Le sujet : Premier plan du film, fixe : une aciérie où un panneau annonce triomphalement 784 jours sans accident. Un homme accablé enlève un par un les chiffres de ce louable score, et met à la place un 1. Plan suivant : ambiance feutrée d’une réception après des obsèques, une femme fait part de son inquiétude pour Joe, alors que la caméra panneaute et montre un adolescent endimanché assis sur la balançoire du jardin enneigé…

Est-ce la participation active de Spielberg à la production de ce film, ou encore les articles multiples présentant J.J. Abrams comme le fils naturel du réalisateur de « La Liste de Schindler », mais toujours est-il que ce sens de l’ellipse narrative m’a fait penser au plan muet du « Soldat Ryan » où Mme Ryan apprend la mort de ses trois fils. Même capacité à résumer une situation en quelques images, là où tant d’autres écriraient dix scènes, même capacité à faire monter l’émotion par la simplicité percutante de la mise en scène, là où les mêmes embaucheraient un orchestre symphonique pour tenter vainement de jouer la corde lacrymale.

La comparaison des deux réalisateurs-producteurs est omniprésente, dans ce qu’il y a de meilleur (un sens du rythme qui alterne scènes d’actions à couper le souffle et moments plus intimistes qui donnent vie aux personnages, une maîtrise du langage cinématographique qui privilégie le hors-champ aux effets spéciaux) mais aussi ce qu’il y a de moins bon (un penchant pour les bons sentiments un peu sirupeux, une utilisation de la musique ronflante et redondante).

Malgré leurs vingt ans de différence, Spielberg et Abrams partagent avec leurs héros adolescents (et avec bien d’autres futurs grands réalisateurs : Tim Burton, Peter Jackson ou les frères Coen) le fait d’avoir débuté avec la caméra Super 8 de leurs pères, et la découverte par Charles de l’idée qu’un scénario pourrait finalement servir à quelque chose alors que les trois quarts du film ont déjà été tournés, tout comme le portrait de l’apprenti-artificier affublé d’un appareil dentaire proéminent sentent bon le vécu. Un conseil, d’ailleurs : ne quittez pas la salle au début du générique, puisqu’on y voit le film de zombies, hommage et pastiche savoureux.

Le film est situé en 1979, soit trois ans avant « E.T. ». Les gamins font référence au Vietnam quand ils se mettent à écrire des dialogues, on entend la télévision évoquer l’accident de la centrale de Three Miles Island, et quand de mystérieuses disparitions se multiplient, une habitante décrète que pour elle, jusqu’à ce que le contraire ait été prouvé, c’est un coup des Russes. La référence à « E.T. » est constante : les bicross sur lesquels les ados se déplacent, les longs travelings à leur poursuite dans les rues de la petite ville, le rôle de l’armée pour tenter de mettre la main sur l’alien, et jusqu’à la ressemblance de Joel Courtney avec Henry Thomas. Comme E.T., la créature ne demande qu’à rentrer chez elle, et là-aussi les ados l’aideront dans cette intention, notamment à la suite d’une scène qui évoque bien plus « King Kong ».

Mais on doit aussi comparer « Super 8 » avec une des productions du créateur de « Lost » : « Cloverfield ». Comme dans ce remake de « Godzilla », la créature n’est montrée que partiellement, et après plus de la moitié du film, et là-encore par le biais d’une pellicule, le Super 8 prenant la place de la mini-DV. Ce jeu de hors-champ est parfaitement maîtrisé, faisant monter la tension avec les mêmes effets que ceux bricolés par les ados faute de moyens, et la puissance impressionnante des effets spéciaux pour la scène de l’accident de train n’empêche pas de préserver le mystère.

Et puis, il y a les personnages attachants des ados : Charles, le bon gros qui espère que son statut de metteur en scène suffira à précipiter son actrice principale dans ses bras, Joe le maquilleur-maquettiste qui trace sa route de héros spielbergien, et Alice, la « grande » de 14 ans qui conduit en douce la voiture de son père. Cette dernière est jouée par Elle Fanning, vue dans « Somewhere » de Sofia Coppola et attendue dans « Twixt » du père de cette dernière. La scène où elle répète sa tirade et où tous se figent devant l’évidence de son talent est à la fois une troublante mise en abîme et une parfaite métaphore de l’adolescence, à savoir l’irruption de l’adulte sous la nymphe de l’enfant.

Au milieu de l’avalanche estivale de films de super-héros aux scénarios épais comme le Q.I. de Conan, « Super 8 » offre une histoire à l’ancienne, portée par une réalisation intelligente et sensible. En attendant les sorties plus ambitieuse de fin août (Téchiné, Almodovar, Sorrentino, Valérie Donzelli, Honoré), voilà qui nous fait agréablement patienter.

Cluny