Film américain de Francis Ford Coppola

Titre original : Youth Without Youth

Interprètes : Tim Roth (Dominic Mattei), Anna Maria Lara (Veronica/Laura), Bruno Ganz (Professeur Stanciulescu)



Durée : 2 h 05 

Note : 8/10 

En deux mots : Patchwork gothique autour du thème de Frankenstein, la marque d'un géant.

Le réalisateur : Né en 1939 à Detroit, Francis Ford Coppola entre au département cinéma de l'UCLA. En 1963, Roger Corman lui permet de tourner son premier long métrage : "Dementia 13". Il écrit ensuite des scénarios, dont celui de "Paris brûle-t-il ?" en 1966. Le succés du "Parrain" en 1972 lui permet de tourner "Conversation secrète", qui obtient le Grand Prix au Festival de Cannes en 1974. Deux ans après, il emporte la Palme d'Or avec "Apocalypse Now". Suivent ensuite "Le Parrain" 2 et 3, 'Outsiders" (1983), "Rusty James" (1984), "Cotton Club" (1985), "Tucker (1988), "Jardins de Pierre" (1989), "Dracula" (1993) et "L'Idéaliste" (1998). Depuis, il s'est surtout consacré à la production, notamment des films de sa fille Sofia et de son fils Roman.

Le sujet : Agé de 71 ans, le professeur de linguistique Dominic Mattei est frappé par la foudre le jour de Pâques 1939 devant la Gare du Nord à Bucarest. Soigné par le Pr Stanciulescu, il manifeste très vite des signes de rajeunissement, ainsi que des capacités cérébrales exceptionnelles qui intéressent l'Allemagne nazie. Dominic est obligé de fuir de pays en pays tout en écrivant le livre de sa vie sur l'origine du langage. Au cours de son errance, il croise une jeune femme qui ressemble à son amour de jeunesse, et qui a son contact, se met à parler des langues de plus en plus anciennes.

La critique : En allant voir "L'Homme sans Age", j'ai ressenti un peu la même émotion que celle que j'avais éprouvée en allant voir "Full Metal Jacket" ou "Eyes Wide Shut" : après des années de latence, le plaisir de découvrir l'oeuvre d'un très grand réalisateur, et de recevoir un film comme on n'en fait plus, comme un écho de passé du cinéma. Ce qui paraîtrait insupportablement prétentieux venant d'un jeune réalisateur semble ici pleinement légitime venant de celui qui a adapté "Au Coeur des Ténèbres" dans la jungle cambodgienne, et l'exubérance de certains plans et de certaines scènes s'inscrit dans la construction d'un univers qui prolonge à la fois l'oeuvre de Coppola, et cite en même temps de nombreuses références, de Hamlet à "Citizen Kane".

Premier plan, ouverture au noir, avec juste le tic-tac d'une montre. Une image floue, avec des sortes de lucioles scintillantes, qui laissent deviner un mécanisme d'horlogerie, puis un crâne distordu, comme une anamorphose d'Holbein. Une voix off dit "Mon seul et unique livre... Je n'ai rien été, et je vais mourir seul" Puis un vieil homme hagard en pyjama erre sous la neige, comme Salieri au début d'"Amadeus". Une rose rouge, Rosebud de ce récit,  apparaît sur un fond noir, et un titre à l'ancienne s'incruste. Comme dans la suite du film, à l'ère du tout numérique, Coppola est plus proche de Meliès que de Lucas : image renversée, filtre mordorée ou violine, nuit américaine expressionniste, plongées et contre-plongées vertigineuses, split screen à la Matisse, avec des miroirs montrant des images décalées par rapport aux modèles qu'ils sont censés renvoyer.

Alors certes, l'histoire vire un peu à l'ésotérisme new-age, sans doute plus du fait de la nouvelle de Mircea Eliade, "Le Temps d'un centenaire", dont elle est adaptée, que de la volonté de Coppola, qui s'est dit séduit par l'aspect de conte à la Borges de cette histoire : "Il y a de l’action et en même temps, le personnage ne cesse de réfléchir aux implications philosophiques de ce qui lui arrive. Je pensais donc que ça pouvait donner un film existant sur plusieurs niveaux de lecture." Il y a aussi quelques longueurs, et le récit se perd un peu à l'instar de son héros. Coppola revendique d'ailleurs ce rythme : "Quand je regarde les clips vidéo avec leur montage frénétique, j’ai immédiatement envie de prendre le contre-pied et de faire un cinéma plus lent, au tempo mesuré d’autrefois. Mais je crois par ailleurs que, quel que soit le domaine, même quand on arrive à ce qui ressemble à un point d’achèvement, il y a encore quelque chose à faire. Les notes d’un piano sont en nombre fini, mais les mélodies sont, elles, potentiellement infinies."

Le choix de la Roumanie comme décor s'explique par la nationalité de Mircea Eliade ; mais je crois aussi que ce n'est pas un hasard, tant on retrouve par moment une ambiance gothique proche de celle de "Dracula", tourné dans la Transylvanie voisine : le visage sanguinolent du professeur foudroyé evoque la carapace de Gary Oldman, ou la transformation nocturne de Veronika rappelle celle de Mina. Mais les références ne se limitent pas à l'univers de Bram Stocker : Coppola va chercher aussi du côté de Frankenstein, dans le rapport entre Dominic et Stanciulescu, ou dans le générateur de foudre construit par le savant nazi ; il pioche aussi -entre autre- dans "Le Portrait de Dorian Gray", "Citizen Kane", "Le troisième Homme", "Le Faucon Maltais" ou "Fellini Roma".

J'évoquais Kubrick, avant de lire l'interview de Coppola dans Libération, où il dit : "Quand vous faites quelque chose d’un peu nouveau, il y a d’abord un phénomène de rejet. Je ne m’exclus pas ce réflexe d’ailleurs. Je me suis toujours précipité pour voir chaque nouveau film de Kubrick et j’ai toujours été déçu à la première vision." Je pense que nombreux sont les critiques qui ont boudé le film et qui dans quelques années, disséqueront en DVD des scènes comme celle où une espionne allemande couche avec Dominic, et où son identité est révélée par un motif de la bretelle de son porte-jarretière qui se transforme lentement en croix gammée. Film de cinéaste et de cinéphile, "L'Homme sans Age" n'a été vu en deux semaines que par 85 000 spectateurs français. Dommage, surtout quand on découvre que 300 000 spectateurs sont allés voir "Saw 4" en une semaine...

Cluny

Film américano-britannique de David Cronenberg

Titre original : Eastern Promises

Interprètes : Viggo Mortensen (Nikolai Luzhin), Naomi Watts (Anna Khitrova), Vincent Cassel (Kirill), Armin Mueller-Stahl (Semion) 


 

Durée : 1 h 40

Note : 6/10

En deux mots : Loin de ses terres canadiennes, Cronenberg se perd dans la caricature.

Le réalisateur : Né en 1943 à Toronto, David Cronenberg signe en 1969 "Stereo" puis "Crimes of Future" en 1970, qui contiennent déjà ses thèmes de prédilection : la sexualité, le corps comme terrain d'expérimentation et l'éthique médicale. Il réalise ensuite des films entre horreur et science-fiction : "Frisson" (1975), "Rage" (1976) et "Chromosome 3" (1979). Suivent ensuite "Scanners" (1981), "Videodrome" (1983), "Dead Zone" (1985), "La Mouche" (1986), "Faux-Semblants" (1989), "Le Festin Nu" (1991), "Crash" (1996), "eXistenZ" (1999), "Spider" (2003) et "A History of Violence" (2005).

Le sujet : Anna, une sage-femme d'un hôpital de Londres, accouche Tatiana, une très jeune femme russe qui meurt en couche. Afin de pouvoir confier le bébé à sa famille, elle demande à son oncle russe de lui traduire le journal qu'elle a récupéré. Son oncle refuse, en lui reprochant d'avoir volé une morte. Elle se rend alors dans un restaurant russe dont elle a trouvé une carte dans le journal. Semion, le propriétaire, l'accueille aimablement et accepte de lui traduire ; quand elle lui amène une photocopie du journal, il insiste pour avoir l'original.

Entretemps, son oncle qui a lu le journal lui explique que Semion et son fils Kirill  sont les monstres qui ont fait venir Tatiana, l'ont violée, droguée et prostituée. Semion leur propose alors un deal : le carnet contre l'adresse de la famille de Tatiana. Il demande ensuite à Nikolaï, le chauffeur de Kirill, de se débarasser de l'oncle...

La critique : Amateurs d'hémoglobine, surtout ne ratez pas le début du film. Les personnages principaux ne sont pas encore apparus que déjà nous avons asssisté à un égorgement au rasoir et à une rupture placentaire ; et ce n'est qu'un début, Cronenberg ne reculant pas devant le gore, jusqu'à une scène de corps-à-corps au couteau dans un bain turc qui a soulevé une tempête de rires gênés dans la salle des Champs-Elysées où je suis allé voir le film.

On peut comprendre ce qui a attiré Cronenberg dans cette histoire de Steve Knight, la vision de cette scène rappelant par la violence faite à un corps nu celle de la transmutation dans "La Mouche". Ici, les corps portent les marques de l'histoire des vori v'zakone, ces "voleurs dans la loi", puisque chaque tatouage représente une étape dans leur parcours, depuis les prisons du FSB jusqu'à l'étoile qu'on leur tatoue au cours d'une cérémonie initiatique sur le genou, afin de leur interdire de s'agenouiller devant quiconque. 

De même, ce n'est pas étonnant que le moyen d'abattre le parrain de ce clan de la mafia russe de Londres, incarnation du mal absolu, réside dans l'ADN du bébé issue du viol qu'il a fait subir à une gamine de 14 ans, et que Kirill veut confier à la Tamise, Moïse de ces temps barbares.

Mais alors que "A History of Violence", pourtant marqué par la même crudité, réussissait à convaincre, "Les Promesses de l'Ombre", malgré une indéniable virtuosité, ne parvient pas à faire rentrer le spectateur dans ce récit étrangement artificiel ; pire, une gêne s'installe rapidement, devant la description caricaturale, à la limite du racisme, de ces Russes brutaux, dépravés, et forcément alcooliques. Le jeu outrancier de Vincent Cassel n'arrange rien, mais il n'y a pas que ça, et quand le parrain fête dans son restaurant l'anniversaire d'une centenaire, l'accordéoniste chevelu qui roucoule une balade nous fait plus penser à José Garcia dans "Rires et Châtiments" qu'aux personnages de "Little Odessa" ou de "Lord of War".

Certains critiques évoquent déjà le film-culte, à l'égal du "Parrain", de "Sacarface" ou de "Les Affranchis". Même si on retrouve certains ingrédients, comme l'opposition entre le conformisme de la vie de famille et la brutalité extrême des agissements mafieux, on est loin du souffle épique qui traversait ces films. Certes, on est clairement dans un David Cronenberg, avec ses faux-semblants, ses familles contradictoires et ses mutilations ; mais au-delà de ces figures de style, on y cherche en vain l'originalité qui a fait l'intérêt des grands films du réalisateur de "Crash", "eXistenZ" ou "A History of Violence".

Cluny

Film japonais de Naomi Kawase

Titre original :  Mogari no Mori

Interprètes : Shigeki Uda (Mr Shigeki), Machiko Ono (Machiko), Makiko Watanabe (Wakako) 

Durée : 1 h 37

Note : 4/10

Grand Prix

En deux mots : Un vieil homme et une jeune femme se perdent dans la forêt du deuil, et nous avec.

La réalisatrice : Née en 1969 dans la province de Nara, Naomi Kawase a suivi les cours de l'Ecole de Photographie d'Osaka. Elle a commencé par des courts métrages expérimentaux, dont "Etreinte", primé en 1992 à Tokyo. Son premier long métrage, "Hotaru" lui vaut la Caméra d'Or à Cannes en 1996. "Shara" est aussi présenté à Cannes en 2003.

Le sujet : M. Shigeki ne s'est jamais remis de la perte de sa femme, trente-un an plus tôt. Il vit dans une maison de retraite où travaille une nouvelle venue. Cette dernière, Machiko, a elle aussi subi une perte, celle de son fils. Suite à un accident de voiture, ils se retrouvent perdus au coeur d'une épaisse forêt

La critique : Les fidèles lecteurs de ces critiques connaissent mon goût pour le cinéma asiatique, et l'accueil enthousiaste que j'ai pu réserver aux films de Wong-Kar-Waï, Hou Hsiao-Hsien, Kim Ki-Duk ou Takeshi Kitano. Ayant de plus bien aimé "Shara", c'est avec beaucoup d'envie et de préjugés favorables que je suis allé voir "La Forêt de Mogari".

Las, ma déception a été à la hauteur de l'attente. Le dernier film de Naomi Kawase, la chouchoute du festival de Cannes, est un des plus vides et des plus ennuyeux qu'il m'ait été donné de voir ces dernières années. Pourtant, j'ai retrouvé les mêmes ingrédients qui m'avaient tant plu dans "Shara" : des longs plans séquences aériens avec une caméra portée, un montage puzzle qui évoque beaucoup plus qu'il ne raconte, un sens du détail dans la description des pratiques traditionnelles (la fabrication de l'encre dans "Shara", la calligraphie ici).

Mais alors que dans "Shara" ce style se mettait au service d'une histoire pourtant assez proche (déjà l'impossibilité du deuil) en l'inscrivant dans le dédale des rues de Nara, l'ancienne capitale impériale, ici ces figures stylistiques tournent aux procédés factices, et l'errance dans la forêt ressemble plus à celle du "Projet Blair Witch" qu'à celle de "Gerry". 

On comprend rapidement le propos de la réalisatrice, la communauté de situation entre Shigeki et Machiko ; on devine vite qu'au bout de ce cheminement il y aura l'acceptation. Mais que le chemin est long ! Une partie de la critique s'extasie sur la beauté de la photographie, sur la gamme de verts. J'ai dû m'assoupir, mais je n'ai pas retrouvé cette richesse plastique que j'avais tant appréciée dans "Shara", la caméra tressautante semblant en permanence engoncée dans l'étroitesse du sentier, et la variation chlorophyllienne étant étouffée par une lumière naturelle forcément obscurcie.

Huis clos oppressant et répétitif, "La Forêt de Mogari" est aussi desservie par des acteurs peu convaincants et des dialogues minimalistes ; à part quelques scènes au début du film (l'anniversaire de Shigeki, par exemple), il n'y a pas grand chose à rattraper dans ce pensum new age si décevant.

Cluny