Film taïwanais de Hou Hsiao-hsien

Interprètes : Shu Qi (May, Ah Mei, Jing), Chang Chen (Chen, M. Chang, Zhen).

Durée : 2 h 00

Note : 9/10

En deux mots : Un homme et une femme. Trois époques, trois histoires d’amour, trois façons de filmer. Une leçon de cinéma par un des plus grands réalisateurs de notre temps.

Le Réalisateur : Né en 1947, Hou Hsiao-hsien a réalisé son premier film, « Cute girl», en 1980. Prix de la critique internationale à Berlin en 1985 avec « Un temps pour vivre, un temps pour mourir », Lion d’or à Venise en 1989 avec « La cité des douleurs », il obtient le Prix du Jury au Festival de Cannes en 1993 pour « Le maître des marionnettes ». Le public français a découvert « Les fleurs de Shangaï » en 1998, « Millenium Mambo » en 2001 et « Café Lumière » en 2003, hommage à Ozu.

La critique : Trois histoires autour de l’amour, un même lieu, Taïwan, deux acteurs, et trois périodes différentes. Ces trois moyens métrages parlent d’approches différentes de l’amour, et donnent lieu à des façons différentes de les filmer.

1966. May travaille dans une salle de billard. Elle rencontre Chen. Ils flirtent. Puis il doit partir à l’armée. Elle reste, l’attend, puis s’en va. Quand il revient, il part à sa recherche…
Rythmé par les chansons des « Aphrodite’s Child », ce film évoque à la fois « Les Parapluies de Cherbourg » (le chassé-croisé, le rôle du départ à l’armée) et « In the mood for love » (la tension amoureuse retenue, les robes sixties).

Le film se termine sur le premier passage à l’acte : sous la pluie, Chen prend la main de May… Animée d’une langueur nostalgique, il montre l’intensité des émois de la rencontre ; un regard, un effleurement prennent une ampleur voluptueuse, et le talent de Shu Qi se manifeste dans chaque sourire esquissé, dans chaque déplacement en apesanteur… Longs et lents travelings, éclairage tamisé, la réalisation est adaptée à l’histoire : fluide et élégante.

1911. Ah Mei est courtisane dans une maison de plaisir. Elle a pour client M. Chang, jeune bourgeois qui combat pour sortir Taïwan de la domination japonaise. Elle le sensibilise au sort d’une de ses amies, tombée amoureuse. Il va utiliser ses relations et sa fortune pour permettre leur mariage. Mais quand elle lui demande de faire la même chose pour elle, il l’abandonne, préférant ses ambitions politiques.

Tourné en couleurs, ce film est muet, avec des inter-titres. Seuls sons, le chant lancinant de la courtisane, et le bruit de l’enveloppe qui se déchire, couperet qui met fin à son espoir…
Là, on retrouve le style des « Fleurs de Shangaï », tourné aussi dans une maison de plaisir. Le réalisateur joue de l’exiguïté des lieux par des plans fixes qui utilisent portes, fenêtres et miroirs pour démultiplier les points de vue. L’amour ici est soumis au plaisir et aux choix arbitraire des hommes, et le même Chang qui offre le bonheur à l’une condamne l’autre au malheur.

2005. Jing est chanteuse de rock, bisexuelle. Elle rencontre Zhen, photographe. La technologie de la communication est partout : e-mail, photo numérique, téléphone portable, SMS, et pourtant les personnages se croisent, font l’amour, se quittent sans jamais donner l’impression d’être heureux, sans jamais vraiment échanger… Il s’agit d’un prolongement de « Millenium Mambo » : même actrice (Shu Qi), même lumière nocturne, même place de la techno… Le film débute sur un long traveling qui suit la moto de Zhen slalomant dans la circulation de Taipeh. La caméra virevolte dans des espaces entrelacés : boîtes, appartements, cybercafés. La narration est destructurée, à l’image de la vie urbaine dans le village mondial de ce nouveau millénaire.

Comme vous pouvez le deviner, j’ai adoré ce film pour son intelligence, sa virtuosité, son esthétique, son actrice. Habitué et grand fan du cinéma asiatique, aujourd’hui un des plus créatifs, je peux comprendre qu’on ne partage pas mon enthousiasme et qu’on ait du mal à rentrer dans une monde si différent (une amie s’en souvient, qui s’est endormie aux « Fleurs de Shangaï » !), malgré un propos universel.

Cluny

 Film américain de Tommy Lee Jones

Titre original : The three burials of Melquiades Estrada

Scénario : Guillermo Arriaga

Interprètes : Tommy Lee Jones (Pete Perkins), Barry Pepper (Mike Norton), Julio Cedillo (Melquiades Estrada)

Durée : 1 h 57

Note : 8,5/10

En deux mots : Ce western tex-mex dans la lignée de Sam Peckinpah et de Clint Eastwood est une réussite. Doublement couronné à Cannes, il raconte de façon baroque une errance entre Texas et Mexique, véritable parcours initiatique qui débouche sur la rédemption.

Le Réalisateur : Il s’agit du premier film de Tommy Lee Jones. Né en 1946 au Texas, il a longtemps été cantonné dans des seconds rôles, souvent de méchants. C’est à partir du « Fugitif » (1993) qu’il accède aux premiers rôles : « Men in black », « Traqué », « Space Cowboys ». C’est sur ce dernier film qu’il voit travailler Clint Eastwood, dont il reconnaît s’être inspiré.
"Clint est un très bon exemple à suivre pour n'importe quel réalisateur. S'il y a une chose que je partage avec lui, c'est de ne jamais faire plus de trois prises. Vous devez être prêt à la première, on fait la deuxième par sécurité et la troisième en cas de problème technique comme une rature sur le négatif."

La critique : Melquiades Estrada n’a pas de chance. Obligé comme beaucoup d’hommes de s’expatrier au Texas voisin, ce Mexicain a été contraint il y a quinze ans d’abandonner de l’autre côté de la frontière femme et enfants. Alors qu’il chasse un coyote, sa destinée va croiser Mike Norton, jeune garde-frontière brutal et raciste. Enterré une première fois sous des pierres, il aura droit à une seconde tombe anonyme dans le cimetière de la police. Mais Pete, son employeur devenu son ami, lui avait promis de l’enterrer de l’autre côté de la fontière, chez lui. Pour tenir sa promesse, il va enlever le meurtrier de Melquiades, et le contraindre à convoyer son corps jusqu’à sa troisième sépulture, avec pour seule carte quelques mots griffonnés sur un post-it..

Cela, le spectateur devra le reconstituer à la manière d’un puzzle. En effet, les différentes pièces nous sont livrées dans le désordre, avec à peine quelques indices temporels. On retrouve là la patte de Guillermo Arriaga, scénariste de « Amours chiennes » et de « 21 grams », et primé à Cannes pour « Trois enterrements ». Cette déstructuration du récit n’est pas gênante, bien au contraire, puisqu’elle s’accorde avec une dilution du temps propre à cette région, à l’instar de ce vieil homme aveugle oublié de tous, rencontré au cours de leur périple.

Le seul élément qui marque l’écoulement du temps, c’est le cadavre de Melquiades. Il n’échappe pas à sa décomposition, comme dans « Apportez-moi la tête d'Alfredo Garcia » de Sam Peckinpah, et aucun traitement de choc ne nous est épargné, avec une approche désacralisée de la mort très mexicaine. Au fur et à mesure de leur parcours, les certitudes du jeune garde-frontière vont s’effondrer. Mais Pete aussi devra se confronter à une réalité qui n’est pas celle qu’il croyait.

Cannes a récompensé Tommy Lee Jones en lui accordant le Prix d’Interprétation masculine. Reconnaissance ambiguë, puisqu’elle est destinée à un acteur pour la première fois réalisateur. Mais reconnaissance amplement méritée, car il s’est offert un personnage comme aime à les camper Clint Eastwood dans ses derniers films. Comme chez ce dernier, l’épaisseur des héros est étayée par les personnages secondaires : la femme du garde-frontière, yankee perdue dans un sud déjà chicano, la serveuse généreuse de ses charmes mais malgré tout fidèle à son mari qu’on ne voit qu’à travers le passe-plat, une immigrante un peu rebouteuse qui va conjuguer vengeance et générosité… Film à la fois baroque et épuré, « Trois enterrements » nous montre qu’il existe d’autres façons de réussir sa reconversion pour des acteurs hollywoodiens que de refuser de gracier des condamnés à mort…

Cluny

Film américain de Peter Jackson

Interprètes : Naomi Watts (Ann Darrow), Jack Black (Carl Denham), Adrien Brody (Jack Driscoll)

Durée : 3 h 00

Note : 6,5/10

En deux mots : Film spectaculaire et parfois poétique, « King Kong » souffre cependant d'un manque d? homogénéité dans le ton, et d'une longueur que le rythme trépidant n'efface pas entièrement.

Le Réalisateur : Né le jour d'Halloween 1961, Peter Jackson est neo-zélandais. Il est mondialement connu pour sa trilogie du « Seigneur des Anneaux ». Il a fait ses premières armes en réalisant des films gore marqué par un humour de potache : « Bad Taste » (1988), et « Braindead » (1992)

La critique : Il s'agit du troisième King Kong. Peter Jackson a décidé de se référer à l'original de 1933, bien plus qu'à l'insipide remake de John Guillermin de 1976 avec Jessica Lange. On retrouve ainsi des éléments qui avaient disparus dans le premier remake : les dinosaures, les avions sur l'Empire State Building.

Le film est découpé en trois parties très distinctes et d'inégale longueur. La première débute dans un New York marqué par la grande dépression. Ann Darrow est une comédienne qui voit son music-hall fermé du jour au lendemain, et qui se trouve contrainte d'accepter la proposition de jouer dans le film énigmatique de Carl Denham, dont le spectateur découvre très vite le côté escroc. Avec l'auteur dramatique Jack Driscoll, ils embarquent dans un rafiot qu?on croirait sorti du « Crabe aux pinces d?or », avec des loups de mers aux allures de trafiquants.

Un mousse lit d'ailleurs « Le club des ténèbres » de Conrad, dévoilant une référence qui s'impose au moment de l'arrivée sur l'île : on est proche de la remontée du fleuve d' « Apocalypse Now », que Coppola avait tiré de cette nouvelle, transposant l'Afrique de la colonisation aux frontières du Cambodge. On retrouve ici le même sentiment d'abandon de la civilisation et d'entrée progressive dans la folie. Dans un film bénéficiant d'une débauche d'infographie, les premiers affrontements sont étonnement filmés « à l'ancienne », avec des effets de ralentis, des zooms, une bande son space, plus proche de « Bad Taste » que du « Seigneur des Anneaux ».

La seconde partie, la plus longue, se passe dans Skull Island, l'île du Crâne, oubliée des cartes et dont le roi n'est autre que Kong. On est ici dans « Le Monde perdu » de Conan Doyle : tout y est disproportionné, à l'échelle du jurassique, que ce soit les dinosaures, les blattes ou les chauve-souris.
On assiste à une poursuite époustouflante de paisibles brontosaures par des dinosaures carnivores. C'est pour moi le meilleur moment du film, ne serait-ce que parce que le côté potache de Peter Jackson refait surface, avec un empilement final de diplodocus plus proche de « Fantasia » que de « Jurassic Park ».

Malheureusement, après, le film sombre dans la surenchère, et l'ennui s'installe de chutes de T-Rex pris dans des lianes comme dans une vulgaire toile d'araignée en attaques gore de vers carnivores et des blattes géantes (N'emmenez pas des jeunes enfants : cauchemar garanti ! ). C'est dans cette partie que se noue la relation de protection mutuelle entre Ann et Kong, débutée par un numéro de muisc-hall de la jeune actrice, qui réussit à faire rire la bêbette. Le rire étant le propre de l?homme, Kong gagne aux yeux de la belle - et du spectateur- un statut au-delà de la bête. La dernière partie se déroule dans un New York hivernal, avec l'évasion du Kong depuis le music-hall où l'exploite Carl Denham, jusqu'à l'Empire State Bulding. A noter une très jolie scène où Ann et Kong font du patinage sur le lac gelé de Central Park.

Comme la plupart des films aujourd'hui, King Kong aurait gagné à être réduit, tant par rapport à sa longueur qu'à la dispersion de ses propos. En effet, il souffre d'un manque de clarté dans la tonalité adoptée, hésitant entre le ton de la comédie, celui de l'action pure et celui plus dramatique de la dénonciation de la cupidité des hommes. Dernière lecture possible, celle de la métaphore. Comme le personnage de Richard Attenborough dans « Jurassic Park », celui joué par un Jack Blake qui a l'embonpoint de Peter Jackson, montre la démesure nécessaire pour mener des entreprises où la séparation entre triomphe et catastrophe est si mince. Après tout, ramener un gorille de 8 mètres et le présenter à Broadway, ce n'est pas plus compliqué que de passer trois ans à adapter le « Seigneur des Anneaux »?

Cluny