Film français de Noémie Lvovsky

Interprètes : Noémie Lvovsky (Camille), Samir Guesmi (Eric), Yolande Moreau (La mère), Michel Vuillermoz (le père)

Durée : 1 h 51

Note :  4/10

En deux mots : Remake inavoué de "Peggy Sue s'est mariée", qui sonne faux la plupart du temps.

La réalisatrice : Née en 1964 à Paris, Noémie Lvovsky fait ses études à la Femis dont elle sort diplômée en 1986. Elle réalise quatre courts métrages avant de tourner son premier long métrage en 1994, "Oublie-moi". Suivent "La Vie ne me fait pas peur" (1999), "Les Sentiments" (2003) et "Faut que ça danse" (2007). Depuis "Ma femme est une actrice" (2001), elle a aussi tourné comme actrice dans 25 films.

Le sujet : Camille a seize ans quand elle rencontre Eric au Lycée. 25 ans plus tard, Eric la quitte pour une femme plus jeune. Après une soirée très arrosée de la Saint-Sylvestre, Camille se réveille 25 ans plus tôt, quelques jours avant de rencontrer Eric, peu de temps avant de tomber enceinte, et quelques semaines avant la mort de sa mère.

La critique : On a tous rêvé un jour de pouvoir revivre sa jeunesse en gardant le bénéfice de l'expérience de la maturité, et en profitant de la connaissance de son parcours pour ne pas recommencer les mêmes erreurs. C'est donc exactement l'expérience que nous propose Noémie Lvovsky... sauf que cette impression de déjà vue est largement partagée par le spectateur, puisque dans ses moindres détails, il revit le scénario de "Peggy Sue s'est mariée", film tourné par Coppola en 1986, soit un an après la période où se situe le retour vers le passé de Camille ! Après tout, on a le droit de faire des remakes, d'interpréter un classique... Sauf que nul part dans le dossier de presse il n'est fait mention du film de Coppola !

Au delà de ma gêne devant ce comportement poivred'arvoresque, parlons donc du film. Pour moi, Noémie Lvovsky actrice présente deux visages : celui tout en subtilité de Madame Campan dans "Les Adieux à la reine " ou de la mère dans " A moi seule", et celui, horripilant, de la mère d'Hervé dans "Les Beaux Gosses". La vision de la bande-annonce m'avait alarmé, l'impression de retrouver le surjeu et les mimiques agaçantes du film de Riad Sattouf s'étant très vite imposée. Pourtant, la critique était unanime, alors...

La vision du film a confirmé mon inquiétude : le principal problème de "Camille redouble", c'est Noémie Lvovsky en tant qu'actrice. Je suis conscient que c'est dur de dire ça, d'autant que je ne remets pas en cause la sincérité et le plaisir évident qu'elle a certainement eu à jouer ce personnage, sachant en plus qu'elle n'avait pas prévu de le jouer, et que c'est son producteur Jean-Louis Livi qui a tout fait pour la convaincre. Très lucidement, Noémie Lvovsky explique : "Je n’ai pas peur du ridicule, en général (rires). Lorsque je joue, j’aime me retrouver dans des situations qui le frôlent. C’est le manque de vérité qui rend le ridicule insupportable. Mes partenaires et moi cherchions à être vrais et la question du ridicule était évacuée." Las ! Cette noble intention ne transparait pas du tout à l'écran, et le too much pousse partout au basculement dans ce ridicule : les dialogues, les situations, les costumes, le décor de la maison des parents récupéré des Deschiens par Yolande Moreau.

Déjà même avant son voyage dans le temps, Camille adulte est une caricature : actrice ratée qui fait des panouilles sur un film gore où elle se fait égorger, femme trahie qui pique une crise hystérique quand elle fait visiter l'appartement du bonheur passé, mère alcoolique protégée par sa fille. Forcément, quand Noémie Lvovsky se retrouve habillée en Karen Cheryl, ça ne s'arrange pas, d'autant qu'elle croise un paquet d'autres personnages outranciers : le prof de français pervers joué par Mathieu Amalric, le prof de théâtre insupportable (comparez avec celui joué par Thierry Frémont dans "Un Ticket pour l'espace", ce sera cruel), le groupe des pétasses qui se moquent de son physique.

Quand le film tente de passer sur le registre de l'émotion, cela ne fonctionne pas toujours, particulièrement vis-à-vis des parents de Camille, trop engoncés dans des stéréotypes, alors qu'il ne manquait pas grand chose pour que Yolande Moreau et Michel Vuillermoz soient formidables, juste un peu de finesse sans doute. Le seul personnage qui réussit à être crédible, c'est celui du prof de sciences joué par Denis Podalydés, qui se trouve le vecteur d'une des rares belles idées, celle de la volonté de Camille de garder un enregistrement de ses parents.

Une nouvelle fois, je reste sidéré par l'enthousiasme de la critique (au Grand Journal, Denizot le présente comme le coup de coeur de la rentrée, et Xavier LeHerpeur explique qu'on n'a jamais vu ça depuis "La Guerre est déclarée", autre film très surévalué). Heureusement, quelques critiques de spectateurs sur Allociné sont venus me rassurer sur la fait que je n'étais pas le seul à avoir succombé à cette hypnose superlative !

Cluny

Film franco-américain de Quentin Dupieux

Interprètes : Jack Plotnick (Dolph Springer), Eric Judor (Victor), William Fichtner (Master Chang)

Durée : 1 h 34

Note : 7/10 

En deux mots : Film nonsense bien plus construit qu'il n'y paraît ; intéressant.

Le réalisateur : Né en 1974 à Paris, Quentin Dupieux fait ses premières armes de réamlisateur de clip dans l'équipe de Michel Gondry. Sous le nom de Mr. Oizo, il réalise plusieurs albums de musique électronique. En 2006, il réalise son premier film, "Steak", avec Eric et Ramzy. En 2010, il présente à Cannes "Rubber", l'histoire d'un pneu serial killer.

L'histoire : Employé d'une agence de voyage dont il a été licencié il y a trois mois, Dolph Springer découvre un matin que son chien Paul a disparu. Il part à sa recherche, mais en vain, jusqu'à ce qu'il soit contacté par Master Chang, le patron d'une mystérieuse société qui kinappe les animaux domestiques pour renforcer l'affection de leurs maîtres. Seulement voilà : la camionette qui emportait Paul a eu un accident et a brûlé avec son chauffeur, et Paul a réellement disparu.

La critique :  Je n'avais pas vu les deux premiers films de Quentin Dupieux, mais je me souviens avoir eu envie d'aller voir "Rubber", attiré par le pitch, celui d'un pneu tueur et télépathe. Je regardais hier Le Cercle, le Masque et la Plume de Canal+, où les critiques étaient divisés entre ceux qui appréciaient l'absurde et la poésie de "Wrong", et ceux qui opposaient Gondry à Dupieux, trouvant chez le premier une inventivité et un renouvellement permanent, et reprochant au second de déjà répéter au bout de trois films le mêmes trucs arty et décalés. Ce reproche m'étonne, car j'ai écouté une interview de Quentin Dupieux au moment de la sortie de "Rubber", expliquant qu'il avait détesté le tournage de "Steack", trouvant que la lourdeur de la machine classique (maquillage, mise en place des lumières, du son) bridait toute créativité du metteur en scène en étirant à l'infini les temps d'attente, qu'il en avait conclu que le cinéma de papa était mort, et qu'il lui fallait réinventer le cinéma, ce qu'il a fait dès son deuxième film, notamment en assurant le cadre lui-même et en privilégiant le plan-séquence aux sacro-saintes règles des raccords.

Quoiqu'il en soit, n'ayant vu ni "Steack", ni "Rubber", je peux donc porter mon regard sur ce "Wrong" en tant qu'objet cinématographique en soi. Premier constat, au-delà de la dimension loufoque et surréaliste de l'histoire, il y a un véritable scénario, où la mécanique de l'absurde répond à une logique implacacble, qui fait qu'un événement qui semblait gratuit au début du film prend toute sa cohérence une heure après ; ainsi l'agacement du voisin de Dolph quand celui-ci lui parle de ses joggings, ou la longue discussion entre Dolph et la standardiste de Jesus Organic Pizza sur le pléonasme que représente la lièvre à moto de leur logo, ou encore les conséquences de la transformation d'un palmier en sapin, tous ces petits faits anodins nourrissent la suite du récit.

"Wrong" raconte donc l'histoire d'un homme au nom de chien, Dolph, qui se trouve inconsolable de la disparition de son chien au nom d'humain, Paul. Quentin Dupieux définit son cinéma comme la contamination du réel par le bizarre, et c'est exactement l'effet que ressent le spectateur. Le radio réveil qui revient constamment comme dans "Une histoire sans fin" passe de 7 h 59 à 7 h 60, les personnages se téléphonent à quelques mètres de distance, les pompiers font la pause devant une camionnette qui brûle, il pleut à l'intérieur de l'agence de voyage, et tout cela est filmé comme si c'était naturel ; dans le dernier exemple, la gêne que ressentent les employés ne vient pas de ce déluge intempestif, mais de leur agacement devant le fait que Dolph continuent à faire semblant de travailler trois mois après avoir été viré.

Le cinéma "réinventé" par Quentin Dupieux se caractérise par une maîtrise formelle : des choix de cadre toujours signifiants, un jeu sur la profondeur de champ pour isoler les personnages ou des détails et figurer un point de vue, une photographie surexposée qui adopte la tonalité du rêve éveillé. Il y a aussi un vrai travail des personnages par les acteurs : Jack Plotnick, vieux routier des séries TV US déjà vu dans "Rubber"qui campe son incompréhension douloureuse de bête abandonnée, Eric Judor déjà présent dans "Steack" qui joue un jardinier avec l'accent de Maurice Chevalier, ou William Fitchner, l'agent Mahone dans "Prison Break", qui incarne l'étrange Master Chang qui erre dans sa limousine, action très à la mode à Cannes avec " Cosmopolis" et " Holy Motors".

Malgré quelques répétitions et quelques scènes qui fonctionnent moins bien que d'autres, "Wrong" réussit à maintenir constamment l'intérêt par la tension qui traverse le film de bout en bout, par la cohérence de sa construction scénaristique, et par des accents lynchiens jamais gratuits qui rendent presque logique l'absurde des situations. Isabelle Regnier dans Le Monde écrit que "Wrong" est au cinéma ce que le sample est à la musique ; peut-être, mais le DJ qu'est Quentin Dupieux alias Mr. Oizo sait depuis longtemps construire son oeuvre propre à partir de samples, et c'est bien ce qu'il réussit à faire au cinéma.

Cluny

Durée : 1 h 52

 

La critique : Mais pourquoi donc suis-je allé voir cette bouse ? J'avais pourtant relu mes critiques de " Quand j'étais chanteur" et de " A l'Origine", et particulièrement cette dernière où déjà j'assumais mon aversion pour le poujadisme franchouillard qui suinte du cinéma de Xavier Giannoli, alors que seuls à l'époque les Cahiers du Cinéma et Libération avaient échappé à la vague d'enthousiasme de la critique lors de la projection cannoise. Pour "Superstar", certains ont gardé leurs lunettes aveuglantes, comme Le Monde qui parle "d'une des plus belles productions que l'année nous ait données à voir" ou Marianne qui évoque "un édifiant thriller existentiel", mais nombreux sont ceux qui prennent leur distance avec un film aussi inconsistant.

Peut-être était-ce le sujet de la célébrité jetable, de l'accès au quart d'heure warholien facilité par le fait que des milliards d'individus ont un appareil photo-caméra dans leur poche, et de l'emballement du buzz médiatique qui me semblait intéressant ? Toujours est-il que justement, ce sujet-ci n'est pas traité, ou alors sous la simple forme d'un enfonçage de portes ouvertes et d'une dénonciation populiste des méchants producteurs qui s'en foutent des vrais gens, lesquels gens se font d'ailleurs rebalancer la responsabilité de la méchanceté universelle quand ils se mettent à brûler leur idole !

Le pitch tient en une ligne : sans aucune raison, un inconnu devient célèbre du jour au lendemain grâce au buzz internet relayé par la télévision. C'est après tout le principe de la télé-réalité depuis plus de dix ans, sauf que là, la victime n'est pas consentante. Giannoli va donc étirer à l'infini ce postulat de départ qui aurait pu donner matière à un sympathique court métrage, avec une déjà bien longue première partie qui filme Martin Kazinski dans le rôle du pauvre pitit papillon pris dans la toile (web en anglais, ;-) ), puis, comme le film s'enlise dans les dénégations horripilantes de notre Français moyen, une deuxième partie où il va rencontrer une série de personnages caricaturaux à souhait qui tous vont l'enfoncer : le producteur sans scupule, le fils naturel de Fogiel et de Delarue, un avocat intéressé, un travelo au grand coeur et un rappeur cousin de Balavoine et de Joey Starr...

Déjà, s'il avait eu un minimum de courage et/ou d'intelligence, Giannoli aurait choisi un inconnu. Prendre Kad Merad comme symbole de l'anonyme, cela revient à confier à DSK la présidence du jury de la Rosière ! Remarquez, cela permet une mise en abyme amusante, quand on voit sur un panneau la photo de Kad Merad en couverture d'un tabloïd qui proclame "Kasinski, on le voit trop !" Dans son coming out tragique à la "Tchao Pantin", le malheureux Kad Merad se cantonne dans un rôle de simplet hébété qui bafouille en se grattant "C'est une erreur, il n'y a pas de raison", et le sentiment de fausseté s'installe très vite, entre le jeu stéréotypé, l'absence de vérité du personnage et l'impossibilté d'oublier l'acteur aux 2 millions d'euros annuels.

"Superstar" se veut une charge contre la machine imbécile de la télé réalité. C'est d'ailleurs ce que dit Pascal Mérigeau dans le Nouvel Obs, quand il énonce que ce film aurait "pour seul mérite d'alerter que déjà l'entreprise serait salutaire". Soit. Mais comment peut-on alors cautionner au nom du cinéma le fait de reprendre à ce point les procédés de cette même télévison qie l'on dénonce ? Toute la première partie est traitée comme un résumé d'un épisode de Secret Story ou de Un Dîner presque parfait, étiré, répété, remonté, commenté...Il n'y a pas un gramme de mise en scène sincère, que de la copie de copie, ponctué par des dialogues affligeants du type "L'homme qui ne voulait pas être céllèbre, c'est un messager ! " ou "Il est venu pour nous punir, ce mec !"

Le dernier film de Giannoli représente donc la France à la Mostra de Venise, avec un autre réalisateur abonné des festivals, Olivier Assayas. Voilà donc ce que le cinémé français estime avoir de plus présentable ; bonne chance face à Terrence Malick, Brian De Palma, Kim Ki-Duk, Paul-Thomas Anderson ou Marco Bellochio... Après tout, c'est une image assez fidèle de l'absence d'imagination et d'originalité de la production hexagonale actuelle que ce long pensum prétentieux et démagogue. D'ailleurs, Xavier Giannoli a-t-il eu un sursaut de lucidité quand il fait dire au producteur : "Au début, c'était intéressant, après c'est un peu long" ? Mais voilà, même au début, c'est long.

Cluny