Film français de Yvan Attal

Sortie le 3 octobre

Interprètes : François Cluzet (Jeff), Yvan Attal (Ben), Laetitia Casta (Anna), Charlotte Gainsbourg (Lili), Asia Argento (Monica)

Durée : 1 h 28

Note :  7/10

En deux mots : Sur un thème glissant, Yvan Attal réussit une comédie drôle et ironique.

Le réalisateur : Né en 1965 à Tel Aviv, Yvan Attal suit le cours Florent, et commence sa carrière d'acteur au théâtre. Il rencontre son premier succès au cinéma en 1989 avec "Un Monde sans pitié" d'Eric Rochant, rôle qui lui vaut le César du meilleur espoir. En 1997, il réalise un court-métrage, "I got a woman", avant de passer au long métrage en 2001 avec "Ma femme est une actrice" avec son épouse Charlotte Gainsbourg, suivi en 2003 de "Ils se marièrent et eurent beaucoup d'enfants".

Le sujet : Ben est marié avec Anna, et ils veulent avoir un enfant, quand débarque Jeff, son vieux copain de l'époque des Beaux-Arts. Pour le distraire de sa petite vie rangée, Jeff emmène Ben dans une fête, où en fin de soirée et bien alcoolisés, ils s'engagent à tourner tous les deux un film pour un festival porno amateur. Reste à l'annoncer à Anna, et à passer à l'acte...

La critique : Le charme des avant-premières, c'est qu'on y va à l'aveugle, sans autre a priori que la lecture d'un pitch, la vision d'une bande-annonce ou la notoriété d'un réalisateur. Sachant que je n'ai vu aucun des deux films précédents d'Yvan Attal, que le synopsis et la bande-annonce me suggéraient une histoire quand même bien irréaliste (deux copains de toujours, hétéros confirmés, décident de tourner un porno gay par amour de l'art), je me demande encore ce qui m'a guidé vers ce film ; l'admiration pour le travail d'acteur d'Yvan Attal, sans doute, que j'avais beaucoup aimé dans les deux derniers films de Lucas Belvaux, "Rapt" et "38 Témoins". Mais, on le sait, les grands acteurs ne font pas forcément les grands réalisateurs.

Et bien, mon intuition s'est avérée justifiée, puisque ce "Do Not Disturb" est une des comédies françaises où j'ai le plus ri depuis bien longtemps (ce qui, j'en conviens, n'est pas très dur à trouver), sachant qu'en parlant de comédie, j'évoque immédiatement la définition qu'en donnait François Cluzet lors de sa présentation du film : "Une comédie, c'est une tragédie où on est ridicule". Car si on regarde ce film avec les lunettes d'un pessimiste dépressif, ce dont il nous parle n'est pas forcément drôle : le danger de l'absolu sincérité dans le couple, la douleur de se confronter au reflet de sa jeunesse à l'heure des choix adultes, la part d'amour frustré qui peut exister dans une amitié...

Contrairement à ses deux premiers films, Yvan Attal n'a pas écrit l'histoire originale, puisqu'il s'agit du remake du film de Lynn Shelton sorti en 2009, "Humpday", et qu'il est resté très fidèle au synopsis original même s'il a choisi d'étoffer le personnage de sa femme Anna, ce qui est cohérent avec le sujet de ses deux autres films. C'est ce défi qui l'a particulièrement intéressé : "Il n’était pas question pour moi de tout chambouler pour justifier le remake. Je voulais au contraire rester fidèle, en adaptant toutefois à la France. Malgré tout, il fallait que ce film devienne le mien et c’était un travail plus qu’intéressant de tourner le sujet d’un autre, de me l’approprier tout en répondant au cahier des charges des producteurs." Je n'ai pas vu le film de Lynn Shelton et je ne peux donc comparer, mais on sent la part personnelle d'Yvan Attal dans son traitement de l'histoire, ne serait-ce qu'à travers le personnage de Charlotte Gainsbourg, lesbienne agressive qui répond à la question de Ben "Qu'est-ce que tu fais dans la vie ? - Je vis."

François Cluzet expliquait à la présentation du film qu'Yvan Attal était un réalisateur attaché à la situation beaucoup plus qu'aux dialogues. C'est vrai en partie, car il y a une belle mécanique pour rendre crédible des situations improbables et créer des quiproquos, des basculements des scènes, voire des délires surréalistes, comme cette apparition jubilatoire de Joey Starr dans la cellule de garde à vue voisine de celle où Ben et Jeff dessoulent où il se met à chanter Dalida. Mais il y a aussi une force percutante des dialogues, du type "C'est Jeff ! Jeff qui n'était pas là au mariage !" quand Ben présente Jeff à Anna, ou "Tu fais la fête avec des gens qui n'ovulent même pas !", quand Anna reproche à Ben de l'avoir abandonnée pour aller faire la fête avec Jeff.

La réalisation se met au service de cette histoire embrouillée, avec une caméra mobile, une faible profondeur de champ, une photographie assez crue et un montage nerveux. Yvan Attal fait dire à Jeff : "Le rôle d'un artiste, c'est d'aller là où il a peur d'aller", et on comprend bien qu'il s'agit là d'une profession de foi, et que  la scène de la chambre d'hôtel n'a pas dû être évidente à tourner. Mais cette prise de risque s'avère payante, et la qualité du film repose sur la capacité qu'il a à rendre une scène à la fois drôle et émouvante, comme celle où Anna révèle une aventure d'un soir après qu'elle ait été mise au couranr du projet des deux potes, lointain écho de la scène entre Nicole Kidman et Tom Cruise dans "Eyes Wide Shut".

Inutile de dire que les trois acteurs principaux sont excellents, justement dans leur capacité à jouer le tragique des situations comiques, et le choix de François Cluzet de préférence à un acteur "comique" s'avère particulièrement judicieux. Comédie ambitieuse mais accessible, "Do Not Disturb" est une des bonnes surprises de cette rentrée, notamment grâce à une dimension personnelle qui tranche avec le tout venant de la production française du moment.

Cluny

Film canadien de Ken Scott

Interprètes : Patrick Huard (David Wozniak), Julie Le Breton (Valérie), Antoine Bertrand (L'avocat de David)  

Durée : 1 h 49

Note :  5/10

En deux mots : Comédie québecoise habile et qui fait le buzz ; mais quand on gratte un peu...

Le réalisateur : Né en 1970 au Québec, Ken Scott commence sa carrière d'acteur au sein de la LIM, Ligue d'improvisation de Montréal. Il suit des études de cinéma à l'Université du Québec à Montréal. Il écrit des scénario pour la télévision puis pour le cinéma. En 2008 il réalise son premier film, "Les doigts croches".

Le sujet : A 42 ans David est un éternel adolescent : il travaille comme (mauvais) livreur à la boucherie paternelle avec ses frères, cultive du cannabis dans son appartement pour rembourser l'argent qu'il doit à des malfrats, et se fait jeter par Valérie qui lui annonce qu'elle est enceinte mais qu'elle ne veut pas d'un père aussi absent pour son enfant. Un jour, il apprend qu'il a eu 533 enfants avec le sperme qu'il a vendu à une clinique 20 ans plus tôt, et que 124 d'entre eux demandent que l'anonymat sur leur géniteur soit levé.

La critique : Pour "Starbuck", j'ai fait une entorse à la règle que je me suis fixé il y a bientôt sept ans et que j'ai respectée presque 500 fois, à savoir de critiquer des films sortis dans la semaine, voire pas encore sortis. Ce film est toujours à l'affiche trois mois après sa sortie en salles, plus de 350 000 spectateurs l'ont vu malgré une distribution modeste, et la moyenne des étoiles des spectateurs (4,4/5) est supérieure d'un point à celle de la presse (3,4), sans compter que deux amis, chacun de son côté, me l'ont recommandé chaleureusement. Ma résistance à aller le voir résidait sans doute dans une certaine méfiance devant la propension des comédies québecoises à tirer facilement les grosses ficelles des bons sentiments, et au fait que les trois critiques qui baissent la note d'Allociné sont ceux de Libération, Le Monde et les Cahiers du Cinéma, ça donne quand même une indication...

Générique, noir, une voix dans une salle d'attente, "David Wozniak, salle 4". Puis un plan fixe, une secrétaire explique à David comment s'y prendre : les revues porno, la coupelle en plastique ; la caméra est à 1 m de hauteur et bien sûr, le centre du cadre est sur l'objet de cette activité lucrative, et pour bien faire, on ne voit pas leurs têtes : après tout, le donneur est anonyme, c'est même ça tout l'enjeu du film. Après une scène sur la difficulté de David à fournir qui confirme mon inquiétude sur la subtilité relative des comédies de la Belle Province, ellipse de vingt ans, gros plan sur des factures impayées au même nom de David Wozniak pendant que le héros se fait attraper par deux mastards qui le plongent dans sa baignoire pour l'inciter à régler ses dettes.

Puis suivent quelques scènes qui finissent de brosser le portrait d'adolescent attardé de David : il arrive en retard à la boucherie familiale, se fait pourrir par son contremaître de grand frère, puis doit subir les angoisses de son petit frère qui va devenir papa, pour enfin se faire suspecter par son père d'avoir oublié d'aller chercher les "chandails", c'est-à-dire les maillots de l'équipe de foot, euh pardon, de soccer composée pour moitié de la famille Wozniak, puisque les Polonais, c'est comme les Italiens, ça reste catho et footeux. Bien sûr, l'imprécation fonctionne et malgré toute sa bonne volonté, les chandails partent à la fourrière avec le camion de David et la photo officielle se fera sans. On l'a compris, et son éviction de la vie de la mère de son futur enfant le confirme, David est un étalon sur l'échelle de la loose.

Puisqu'on parle d'étalon, signalons la signification du titre : Hanoverhill Starbuck est le nom du taureau à la génétique quasi parfaite qui est encore à ce jour le meilleur géniteur que le Centre d'Insémination Artificielle du Québec n'ait jamais eu. Car voilà le sujet du film, celui de la paternité ; à l'heure où David va se retrouver père tardif et pas forcément intentionnel, il se découvre géniteur de plusieurs centaines de rejetons dont 124 revendiquent au titre du droit à l'identité à connaître le nom de celui qui les a procrée. C'est d'ailleurs là que réside la première mystification du scénario : on ne voit jamais les mères, et un des enfants de Starbuck parle même de "famille adoptive", ce qui me semble bien abusif puisqu'ils ont bien été "adoptés" neuf mois avant leur naissance.

Le succès du film réside dans une habilité du réalisateur à être en permanence sur le fil entre le rire et l'émotion, sachant qu'on frôle constamment l'humour lourdingue et les bons sentiments (qui, comme le savent mes lecteurs assidus, ne font pas les bons films). Ken Scott parvient à éviter la plupart des pièges d'un tel scénario grâce à des ruptures de tonalité qui évoquent la comédie italienne des années 60-80, et une propension au burlesque qui fonctionne souvent bien, comme le réflexe pavlovien de David dès qu'il est acculé à proclamer "Yo no Soy David Wozniak !".

On rit, et plutôt souvent, et on peut se laisser attraper par l'émotion. Mais en même temps, une petite voix dans la tête nous interpelle sur ce qu'on nous montre en réalité : il n'existe pas d'autre accomplissement que la paternité, et plus précisément, la paternité biologique ? Dans l'échantillon statistique que représentent les 124 spermatozoïdes finalisés, il y aurait les bons, ceux dont David peut être fier (le footballeur, l'acteur, le chanteur) et ceux que l'ange gardien devra ramener dans le droit chemin (la junkie, le clone de Marylin Manson, l'homo qui passe de partenaire en partenaire et que dire alors de l'handicapé) ?

Je lisais la critique d'un spectateur qui disait que si le film avait été américain, il l'aurait détesté, ou il ne serait même pas allé le voir. Cela me semble assez juste, la québéquitude du film incite à l'indulgence, avec ses expressions en joual, cocktail de proximité et d'exotisme, et ces scènes buccoliques de barbecue géant et de soirée feu de camp où l'on chante du Roch Voisine au bord du Saint-Laurent. Mais l'influence des voisins du sud est évidente dans ce feel good movie, jusqu'à ce mélange de politiquement correct et de subtilement conservateur, le tout emballé dans une réalisation futée et efficace qui vous incite à débrancher votre cerveau, chose qui a presque failli marcher avec moi !

Cluny

Film américain de Michel Gondry

Interprètes : Michael Brodie (Michael), Teresa Lynn (Teresa), Laidychen Carasco (Laidy Chen)
  

Durée : 1 h 42

Note :  8/10

En deux mots : Gondry invente avec brio le bus movie pour une parabole qui montre combien le groupe adolescent pousse à la cruauté.

Le réalisateur : Né à Versailles en 1963, Michel Gondry fonde durant ses études à l'Ecole d'Arts Appliqués le groupe rock Oui-oui, pour lequel il tourne des clips. Il est remarqué par Björk, qui lui demande de réaliser plusieurs clips (dont «Bachelorette», «Army of me», suivi par les Rolling Stones («Like a Rolling Stone») et IAM («Le Mia»). 

Après deux courts-métrages, Michel Gondry tourne son premier long-métrage en 2001, «Human Nature», une fable philosophique avec Patricia Arquette et Tim Robbins. En 2004, «Eternal Sunshine of the Spotless Mind» avec Jim Carrey et Kate Winslet obtient l'oscar du meilleur scénario. En 2006, il réalise en France "La Science des Rêves", puis en 2008 "Soyez sympas rembobinez".

Le sujet : Le jour des vacances d'été, des élèves d'un lycée du Bronx prennent le bus de la ligne régulière qui va les ramener chez eux. Les groupes se placent dans le bus, et les rapports de force se manifestent : moqueries, vexations, petits rackets quotidiens... Et puis, au fur et à mesure que le bus se vide, les rôles sociaux s'estompent pour laisser apparaître la véritable nature de ceux qui restent.

La critique : Coincidence intéressante que la sortie simultanée de deux films américains réalisés par des Français, celui de Michel Gondry et le "Wrong" de Quentin Dupieux, alors que dans le même temps les films français qui viennent de sortir empestent la naphtaline, comme " Camille redouble", " Superstar" ou " Du vent dans mes mollets". A croire que pour exprimer de la créativité, de l'originalité et un véritable style, il faut traverser l'Atlantique... Paradoxalement, l'originalité de Michel Gondry par rapport à ses films précédents réside dans le classicisme de ce bus movie, qui joue à fond le principe de l'unité de lieu (un bus), de l'unité de temps (le parcours de ce bus) et de l'unité d'action (le délitement d'un groupe).

Challenge difficile que de filmer une quarantaine d'ados et quelques pauvres passagers pris en otage de leurs délires dans l'espace confiné d'un bus en mouvement, en réussissant comme le fait si bien Gondry à faire apparaître les effets de groupe tout en faisant exister chacun des personnages. Jamais depuis " Entre les murs" je n'avais vu un groupe dans un espace clos filmé avec autant de rythme et de vérité. Comme Laurent Cantet, Gondry a choisi de serrer le cadre sur chaque ado, jouant parfois de la profondeur pour saisir les échanges, mais aussi des regards, du hors champ et surtout d'un montage extrêmement dynamique. Car si le résultat donne l'impression d'une grande fluidité malgré l'enchainement des vannes, des déplacements, des changements de pôles, on a affaire à un scénario extrêmement écrit.

Michel Gondry portait ce projet depuis longtemps, peut-être depuis les bizutages qu'il a subis en 6° et en 5°. Il a commencé à travailler il y a trois ans avec une quarantaine d'ados d'un lycée du Bronx, construisant les personnages à partir du vécu des lycéens et des séances d'improvisation, ces derniers gardant à l'écran leurs prénoms. Ce travail préparatoire porte ses fruits tant vis-à-vis de la véracité des situations que de la qualité du jeu des jeunes acteurs aux tronches qui tranchent avec celles des acteurs des films Disney, et qui réussissent à donner la plupart du temps une impression de naturel, voire même d'improvisation ou de scènes saisies sur le vif.

Le film est découpée en trois parties : Les Tyrans, Le Chaos, Le Je. Les deux premières correspondent au "We" du titre et nous montrent comment en groupe les ados peuvent se figer dans des rôles : bourreau, victime, tête de Turc, bouc émissaire, suiviste, bonne copine, reine du bal... Dans cet espace clos, s'enchaînent charriages, joutes verbales, coups de pression : tout est rapport de force, et vae victis ! La plupart se taisent pour éviter d'être les prochaines victimes, d'autres hurlent avec les loups, et seuls un groupe suffisamment fort, celui des quatre Chen, réussit à se faire respecter. Et puis, comme dans "Les Dix petits nègres" d'Agatha Christie, les protagonistes descendent les uns après les autres, dont les tyrans, laissant certains qui s'étaient extraits de ce chaos prendre une place déterminante, et les petites histoires apparemment futiles prennent une autre résonnance à la fin du récit : c'est enfin la phase du "I".

Michel Gondry a su intégrer dans le récit le smartphone, prolongement de l'ado : messages envoyés à l'intérieur du bus, reçus de l'extérieur, vidéo reroutée de portable en portable, avec celle qui voit ce manège mais qui ne reçoit rien, personne ne pensant à lui renvoyer, comme quoi l'exclusion ne dépend pas de l'équipement numérique. On retrouve aussi Gondry dans sa façon d'insérer des scènes suédés ou tournées comme sur YouTube comme illustration des récits des lycéens, créant ainsi suffisamment de doute quant à la réalité d'un récit filmé image par image avec du papier vitrail. Ce n'est pas là la moindre de ses qualités que d'avoir réussi à "faire du Gondry" tout en renouvelant complètement sa façon de nous raconter une histoire et en nous impliquant d'un bout à l'autre dans ce qui est certainement son film le plus abouti.

Cluny